El Nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "construcción", y Haus, "casa"

La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas en manos del partido nazi.

Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con el pensamiento socialista de su fundador. 

En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.

La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal cual y fueron concebidas dentro de esta escuela.

Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna.-

Personalidades como Charles Édouard Jeanneret-Gris (conocido como Le Corbusier) y Frank Lloyd Wright fueron inspirados por este movimiento y plasmaron sus obras en Europa y EEUU. Estas dos personas, junto con Gropius y Miës van der Rohe son considerados como padres de la Arquitectura Moderna y sus hermosas edificaciones siguen asombrando al mundo entero hasta la fecha .-

La silla Wassily, originalmente llamada Modelo B3, fue diseñada por Marcel Breuer en 1925.- 

Para la Bauhaus los ornamentos debían reducirse al mínimo y el centro de atención de sus objetos era su funcionalidad. 

“Si un edificio se convierte en arquitectura, entonces es arte” Arne Jacobsen .-

Arne Jacobsen (1902 – 1971)

Nació en Copenhague (Dinamarca) y se destacó como arquitecto, decorador, diseñador de muebles, industrias textiles y cerámicos. 
Inicialmente recibió formación de albañil, pero se recibió como arquitecto en 1927 en la Academia Real de Artes de Copenhague, donde también enseñó a partir de 1956. 
Entre los períodos de 1927 a 1930, trabajó con el arquitectoPoul Holsoe y desde entonces abrió su propio atelier sobre el cual trabajaría hasta su muerte.

Arne Jacobsen fue el más famoso arquitecto y designer de toda la región nórdica de Europa. 
Entre sus obras más importantes se destacan las sillas Ant, Egg y Swan. 
Las sillas Egg y Swan fueron especialmente diseñadas para decorar el lobby del Hotel Radisson SAS, donde continúan como elementos vitales de la decoración hasta el día de hoy, prueba más que garantizada del gran efecto plástico dado por sus modelos.    
Las mismas sillas fueron elegidas por Stanley Kubrick para la película .-
“2001: Una Odisea en el Espacio”, gracias a su forma ya futurista para la época. 

Su base esta fabricada en aluminio con mecanisno reclinable y función giratoria. El acabado del tapizado es en fieltro .-

Se caracteriza por la ausencia de línea rectas, lo que la hace muy orgánica , su forma hace referencia un tulipán,  y original perfecta .-

Pero la situación más curiosa del uso de sus sillas, quizá, fueron las sillas conocidas como Series 7, estás sillas son unas de las más vendidas de todos los tiempos.

La silla de presión chapa moldeada es un desarrollo de una hormiga clásico .-

Como arquitecto, construyó el Colegio St. Catherine y Merton, ambos en Oxford, el propio Hotel Radisson SAS Royal Hotel y el Banco Danish Nacional Bank, en Copenhague. 
Arne fue el primer arquitecto en introducir los conceptos del modernismo en Dinamarca, volviéndose símbolo de él. 
Las líneas de Jacobsen fueron marcadas por sus simples trazos, también conocidos como “minimum”, pero con gran efecto estético, tarea nada sencilla para la época, que todavía sentía la necesidad de valorar objetos más rebuscados. Su principal fuente de inspiración fue la naturaleza, como siempre. 
Con esto, consiguió crear todo un estilo limpio, funcional y elegante. 

Fin de Año 2012

Buenas! Como andan? Espero que muyyy bien …….

Llega Fin de Año y uno, así como sin querer, hace un pequeño balance del Año.

Que escribir de este año??? Ufff  tantas cosas ... 

Hace un año comencé con este emprendimiento - MiKO  - que decir... 

Super agradecida !!!!

Gracias a todosss : Familia ,  Amigos , Conocidos ,  Vecinos , Clientes , Proveedores , Espías , Fanas , Chusmas , etc ...

Sigamos Juntos Por Muchos Años Mas !!!. Feliz Año Nuevo que empiecen muyyy Bien !!!

MiKO al Servicio del Diseño

Significado de MiKO :

En tiempos antiguos, las mujeres que tenían trances y transmitían las palabras de un dios era llamada miko .-

Después, las miko fueron mujeres jóvenes que atendían los templos Shinto. Los roles de la miko incluyen llevar a cabo danzas ceremoniales (miko-mai) y asistir a los monjes en las ceremonias de matrimonio. Hoy en día se pueden encontrar a las miko en muchos templos Shinto.

Entre sus tareas están asistir a los eventos del templo, realizar bailes, rituales y la adivinación.

Es algo difícil asignar una traducción específica al equivalente japonés de la palabra miko, pero los términos profeta, médium (como en el Oráculo), asistente del templo,sacerdotisa, monja o hechicera son a veces usados.-

"No existe ningún autorretrato mío. No me interesa mi propia personalidad como objeto de un cuadro, sino más bien me interesan otras personas, en especial mujeres, otras apariencias…estoy convencido de que como persona no soy especialmente interesante".Gustav Klimt.-

El Beso 1907-1908 / Óleo -lienzo

Gustav Klimt (Baumgarten, Viena, 14 de julio de 1862 – Alsergrund, Viena, 6 de febrero de 1918)  vivió en una relativa pobreza la mayor parte de su infancia, en tanto que como familia de inmigrantes, el trabajo escaseaba tanto como las oportunidades de promoción social.

Klimt fue el  segundo de siete hijos (tres chicos y cuatro mujeres).Ya desde la infancia, los tres hijos varones mostraron inclinaciones artísticas, que podían haber heredado tanto de su padre, Ernst Klimt (1832-1892) que era grabador de oro como de su madre, Anna Klimt .

Fue por tanto sólo gracias a su talento que en 1876, con catorce años, recibió una beca para estudiar en la Kunstgewerbeschule, la Escuela de Artes y Oficios de Viena, donde se formaría hasta 1883 como pintor y decorador de interiores.

Retrato de Adele Bloch - Bauer

Klimt se convirtió en uno de los miembros fundadores -y presidente- de la Wiener Sezession, un grupo de artistas fundado en 1897, y del colectivo temporal Ver Sacrum (la 'Sagrada Primavera').

 La Sezession había surgido como una alternativa independiente a los artistas promocionados por la Academia vienesa -de la que el mismo Klimt había formado parte en su juventud-. Entre sus objetivos se contaban la promoción de artistas jóvenes, la exhibición de obras producidas en el extranjero y la publicación de una revista sobre las principales obras realizadas por los miembros.

Fue un pintor simbolista  y uno de los  representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía.

Judith Con la cabeza de Holofernes / 1901

Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual.

Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte.

ACTUALIDAD : La obra "Litzlberg am Atterse (Litzlberg en el Attersee)", del dicho pintor austríaco, se vendió en Noviembre del 2011  por 36 millones de dólares en una subasta que celebró Sotheby's en Nueva York.

"La calidad y la rareza de este paisaje de Klimt son sensacionales", dijo el responsable del departamento de arte impresionista y moderno de Sotheby's, Simon Shaw, en un comunicado de prensa, sobre esta obra pintada en 1914 y robada en 1941 por los nazis.

Quien no va querer enviar a sus hijos a aprender en un ambiente dinámico e interactivo?

La Ecole Maternelle es una escuela de la ciudad de  Kindergarten Pajol en París , Francia .

La estructura básica del edificio se mantiene fiel a su superficie exterior histórico a su raíces, así como una renovación interior recibió colores vibrantes y audaces.

Colores brillantes, instalaciones artísticas y de  felicidad  pura.- 

El edificio construido en 1940 fue renovado por el estudio de arquitectura Palatre Leclere  .  

MiKO diseño + objetos .-

Joe Colombo " Un Diseñador de Muebles del Futuro ".-

Joe Cesare Colombo (1930 en Milán, Italia - 1971 en Milán, Italia ). Arquitecto y diseñador italiano. Estudió arquitectura en la Escuela Politécnica de Milán y se consagró al diseño a partir de 1962. Creó mobiliario de la época, de material plástico, e investigó sobre la estructura de la vivienda.

Colombo se veía a si mismo como un diseñador de muebles del futuro, su idea era plantear muebles dinámicos ya que para él "todos los objetos necesarios en un hogar deben integrarse al espacio disponible; si los hábitos cambian, los componentes del ambiente deben cambiar con ellos." La practicidad y funcionalidad del mueble se encontraban para él siempre en primer plano. 

Sus "unidades de mobiliario total" comprenden, entre otras cosas, cocinas y baños modulares, lámparas, relojes, alacenas, bandejas y muchos.- 

mHasta hoy en día sus diseños son un ejemplo para muchos profesionales del diseño y muchas de sus creaciones forman parte de la colección de museos.ás.

La importancia del color .-

Katharina Fritsch es conocida por sus esculturas y las instalaciones que revitaliza los objetos familiares con una sensibilidad desagradable y extraño. Sus obras muestran la iconografía de los que se extrae de diversas fuentes, incluyendo el cristianismo, la historia del arte y el folclore. 

Ella atrajo la atención internacional con la vida del tamaño de sus obras a escala. 

El color desempeña un papel especial en la obra de Fritsch ,tiene sus raíces en sus visitas infantiles a su abuelo, un vendedor de Faber - Castell ,  materiales de arte, cuyo garaje        estaba bien abastecido con sus productos. 

En su proceso de trabajo, Fritsch combina las técnicas de la escultura tradicional con los de la producción industrial.-

Ella usa  modelos para crear los moldes, de los cuales la finalización de sus esculturas están fundidas en materiales como el yeso, poliéster y aluminio. 

En el Jardín de Esculturas del  Moma expone  obras figurativas del siglo 19 hasta nuestros días. 

Concebido en 2006-08, el trabajo cuenta con nueve esculturas de tamaño natural, entre otras figuras, San Miguel, una Virgen, un gigante, y una serpiente, todas las esculturas poseen todo el detalle y acabado en colores llamativos.

El simbolismo religioso y las referencias a la mitología abundan, sin tener un significado fijo se mantiene abierto el pensamiento de los visitantes ,- 

“La arquitectura debe servir al hombre”

Hugo Alvar Henrik Aalto,internacionalmente conocido como Alvar Aalto (Kuortane, Finlandia, 1898 - Helsinki, 1976 Finlandia, ), fue un importante arquitecto y diseñador finlandés. Formó parte del Movimiento Moderno y participó en los CIA (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna).Durante esa década participó del pensamiento de varias vanguardias especialmente de la Bauhaus.-

Lo que lo diferenció en su momento del resto es que Aalto buscó siempre la armonía entre los materiales elegidos y el uso que le daría el ser humano. Para él, la comodidad y el confort era primordial, sobre todo si lo diseñado se integraba con el entorno. “La arquitectura debe servir al hombre”, era su mantra. Por eso sus edificios eran de madera y ladrillo y aún hoy parecen continuaciones naturales del entorno, un bosque, un árbol, un jarrón o una mesa. Digamos que sería un amante de lo que hoy se llama “usabilidad” en el diseño de los productos tecnológicos.

Esta es la “Armchair”, una de las sillas más emblemáticas de él, nada menos que de fines de los años ´20. El modelo tiene un sistema llamado autoportante, que permite que una pieza soporte todo el peso sin que se rompa y que aún hoy sigue siendo muy usado por otros diseñadores.

"Madera contrachapada, madera"

"Madera contrachapada, madera", explicó el Popular Science en 1948, "es un layercake de madera y pegamento" .-

 En la historia del diseño, la madera contrachapada es también un importante material moderno que ha dado a los diseñadores del siglo XX la herramienta de poder hacer de los objetos cotidianos, muebles, e incluso a la arquitectura , más flexibles .-
- Sori Yanagi es un representante del diseño japones moderno. 
Una de las más famosas piezas de sus muebles es el taburete mariposa.

Representa a las alas abiertas de una mariposa. 

Su técnica :  Contrachapado moldeado y metal.-

Medidas : 15 1/2 x 17 3/8 x 12 1/8 "(39.4 x 44.1 x 30.8 cm). 
Fabricado por Tendo Co., Ltd., Tokio.
El taburete es un clásico en la historia del diseño de mobiliario moderno.

La mayoría de sus productos son muy simples y bellas. 

Sus productos sólo muestra su pensamiento: la verdadera belleza no se hace, nace de forma natural.-

Si hay una ciudad capaz de reinventarse a sí misma, es Nueva York.

Para aquellos que no conocen, The High Line Park es un parque en Nueva York en las alturas. Antiguamente era un viejo ferrocarril y hoy en día, es uno de los spots más recomendables .

La propuesta esta inspirada por la belleza melancólica y rebelde de la High Line, donde la naturaleza ha recuperado una pieza vital de la infraestructura urbana, el equipo reconvierte este vehículo industrial en un instrumento post-industrial del ocio, la vida y el crecimiento. Al cambiar las reglas de enfrentamiento entre la vida vegetal y peatones, la estrategia de “agro-tectura” combina orgánicos y materiales de construcción en una mezcla que modifica las proporciones y se adapta a la naturaleza, el cultivo, lo íntimo, y la hiper-social.

Esto aporta flexibilidad y capacidad de respuesta a las necesidades cambiantes, las oportunidades y los deseos del contexto dinámico, la propuesta está destinada a permanecer eternamente inconclusa, sostener el crecimiento emergente que cambian con el tiempo.

Conservando la estructura metálica del soporte y los raíles, se diseña una plataforma verde donde se abren caminos entablados, zonas de descanso, restauración, exposición y pequeños comercios. La obra se basa en recrear los antiguos enlaces y líneas férreas, con grandes jardines florales y pequeñas pausas más acotadas.

La recuperación de la consistió en limpiar y retirar algunos de los elementos de las antiguas estructuras para poder sanear, reforzar y modernizar la parte que iba a ser reutilizada. En muchos lugares las piezas retiradas fueron restauradas y devueltas a sus lugares de origen, por ejemplo las antiguas vías de ferrocarril, que se integraron en la formación de parterres para la siembra.

Los paseos del parque creados a partir de unas planchas lisas y cónicas de cemento se colocaron encima de la capa de hormigón impermeabilizado, dejando entre ellos espacios para los conductos eléctricos y el drenaje.

 Este parque público ofrece a los visitantes una perspectiva diferente de alguno de los lugares más emblemáticos de la ciudad e impagables vistas a cada cruce, sin duda una sensación única. Tanto que ya la han bautizado como “la alfombra voladora” o “el Central Park de la nueva generación “.-